Crítica de Y el cuerpo se hace nombre

Irene G. Escudero

UVa

Y el cuerpo se hace nombre es una performance que toca varias disciplinas artísticas, con el firme propósito de romper con el binarismo de género. La pintura, la danza, el teatro y la música han sido unidas por el equipo formado e interpretado por David Darife, Elizabeth Duval, Celeste González, Borja Maestre, Iñaki Rubio, Ángela Villar y Consuelo Trujillo, esta última directora del proyecto, para regalar al público una experiencia única, en este caso, en el Ambigú del Pavón Teatro Kamikaze. Y digo que es una experiencia única porque el espectáculo va mucho más allá del simple hecho de estar sentado cómodamente en la butaca de un teatro. Bajo el sugerente lema: “Yo te hormono” el público, un tanto escéptico al principio, fue sacado de la placidez de la cuarta pared para introducirse en un rito de iniciación y trasformación del propio género con el que cada uno habíamos llegado esa noche al teatro. Porque en esto consiste la experiencia de Y el cuerpo se hace nombre, en una reflexión acerca de nuestra propia naturaleza, un alegato a la libertad de todos los cuerpos, independientemente del género con el que se haya nacido. Todo ello se hace de varias maneras, a veces de forma dolorosa, otras con un toque de humor, cuyo hilo conductor siempre es el lenguaje poético.

La recepción por parte del público dependerá en gran medida de su sensibilidad, de sus experiencias personales, de su forma de entender la naturaleza de la vida y de los cuerpos que la pueblan, y considero a este respecto, que la propuesta no tiene por qué hacer violentar a nadie, sino más bien todo lo contrario, puedes salir de allí con la sensación de haber aprehendido algo, de sentirte más ligero, con menos carga social, esa que, sin darnos cuenta, nos impone unos estereotipos ridículos respecto a nuestra propia libertad en todos los sentidos.

La participación del público no solo se queda en el mero acto de transformación que he comentado más arriba, sino que también exige sumergirse con los artistas en la agonía de una bacanal, rociada con un vinito espumoso y dulce, en la que los allí presentes interactúan entre sí bajo la atmosfera delirante de una fiesta, donde todos bailan con todos como celebración de la vida. Para ello incluso se propone un baile, una versión del Cowboy boogie, propuesta recibida con agrado por los presentes que se contagiaron de su espíritu; ese espíritu impetuoso de los artistas que forman este espectáculo “en vivo”.

Los creadores de este espectáculo, removedor y conmovedor de asuntos delicados, también lo forman Andrés Waksman, como director escénico, Eugenia Gusmerini, a cargo del vestuario, Nacho Gómez, en la iluminación e Iñaki Rubio al mando del espacio sonoro. Todo el equipo ha tomado como referentes por su experiencia a Alana Portero, Paul B. Preciado, Celeste González y Elizabeth Duval. Además, la inspiración para el texto poético ha venido de las siguientes lecturas: Elizabeth Duval, Lilith Latin, Milton, Ángelo Néstore, Ovidio, Leopoldo María Panero, Jade Phoenix Martinez, Paul B. Preciado, Alana Portero, Ana Rossetti, Sófocles, Alok Vaid-Menon, Monique Wittig. Además, este montaje ha contado con la colaboración de Apoyo Positivo (ONG), Imagina más (ONG), Real Coliseo Carlos III de San Lorenzo de El Escorial, DT Espacio Escénico, Bodegas Yllera (Rueda, Valladolid) y Rubén David Martín

Entre todos se reparten una creación artística verdaderamente colectiva impregnada de reivindicación consciente, del renacimiento del yo en todas sus dimensiones, del cada cual es como es y del encuentro con la palabra precisa que se desliza desde el principio hasta el final del pensamiento: “Y no me iré hasta que haya dicho lo que vine a decir”.

 

Irene G. Escudero

Universidad de Valladolid