Crítica de Paisajes para no colorear

Mélanie Werder Avilés

ITEM-UCM

Era una de las grandes esperadas del Festival de Otoño en su 37 edición. La chilena La Re-Sentida, caracterizada por su ácido y provocador discurso, aterrizaba en el Teatro de la Abadía con su equipo de nueve adolescentes, a las órdenes de Marco Layera, para plasmar su Paisajes para no colorear.

En el escenario de la sala San Juan de la Cruz, a la izquierda: una casita de jardín, color rosa claro. A la derecha: una mesa de madera, tamaño infantil, con dos sillas. En tromba, irrumpe el elástico grupo. Empieza el desfile: las nueve adolescentes, algunas con una calidad actoral abrumadora, se presentan, tejiendo un panorama de estadísticas de las que son el rostro.

En Paisajes para no colorear, la adolescencia habla, en una sucesión frenética de situaciones, de denuncia. Historias de bulling, reflejos de machismo, crudas exposiciones de maltrato, de abuso, gritos sedientos, una búsqueda. Libertad y deseo. Cuadrando monólogos, con relato de cuentos, gritos, bailes, descubrimientos y anhelos frustrados por una autoridad a la que desafiar, la intensidad del relato se hace patente.

Las escenas de absoluta libertad adolescente, como la fiesta en la caseta proyectada en directo en la pantalla, así como el desatado momento punk cuasi final en el que el desahogo, la alegría, las pintadas, llenan la caseta rosa, son un chute energético innegable. El teatro vive, el teatro es joven.

Pero desde la estricta metodología documental, surgen algunas preguntas de cariz ético. Según el programa de mano, “el espectáculo es resultado de un largo y metódico proceso de investigación iniciado en 2016” al cual no se hace mención en ningún momento de la dramaturgia. Las sucesiones de escenas testimoniales, que no se sabe si son las historias reales de las protagonistas, testimonios del proyecto o de prensa, toman a la parte por el todo de una manera poco narratológica. La fragmentación de lo testimonial se mezcla con la duda que provoca la necesidad de recrearse en la violencia. El choque se consigue, pero con ¿qué objetivo? ¿Es necesario vivir una asfixia durante seis minutos? ¿Es necesario recrear las palabras cliché de un violador? ¿Es necesario narrar una violación de una niña de diez años como si fuera un cuento infantil? Lo básico de las explicaciones sobre algunas problemáticas, junto a algunos lenguajes de denuncia que asemejan a vídeos de propaganda que circulan por internet, desvirtúan el más que lícito mensaje. El público entiende el efecto coral, pero la necesidad de saber más sobre esas niñas ¿Cuál es el testimonio y cuál es la invención? ¿Es necesario que una joven llore abrazada al regazo de un voluntario del público reviviendo el conflicto con su padre?

La tosca manera en la que se traza la denuncia de la invisibilización y la violencia a la que se ven sometidas las jóvenes por el hecho de ser mujeres desvirtúa el mensaje. Es chocante, sí. Una muñeca inflable se ahorca. Choca, sí. Deja una dura carta de suicidio. Violenta, sí, de acuerdo. ¿Dónde está la línea entre la provocación teatral y un desfile descontextualizado de sucesos, como si de una recreación del extinto programa Gente en tve, se tratara?

Marco Layera pone un micrófono, regala un altavoz a la juventud, es necesario. Pero también sería necesario tejer unos márgenes teatrales para esa exhibición de fuerza, con gusto, con tesón, creando un espacio seguro desde donde las protagonistas puedan narrar sus historias habiéndolas transformado en eso, en historias, y no en traumas. La energía es necesaria, y el discurso final es conmovedor, el público en pie, emocionado. Las adolescentes no contienen la fuerza de la emoción que les atraviesa, las lágrimas de las jóvenes se suman a las del público. Nadie se quiere quedar sentado ante la aberración, pero ¿es legítimo el uso del sensacionalismo? ¿Sólo se puede transmitir lo crudo con crudeza?

Mélanie Werder Avilés

Universidad Complutense-Instituto del Teatro de Madrid