Crítica de Missing

José Gabriel López Antuñano

ITEM-UNIR

La compañía GECKO concibe Missing como un acercamiento a situaciones reales, mediante una aproximación onírica. Este trabajo se apoya en un teatro físico y de movimiento, envuelto en los fundamentos del teatro negro, al que se incorporan recientes técnicas, relacionadas con la iluminación y la manipulación o funcionamientos de objetos en el espacio. Missing intenta realizar una aproximación a las relaciones humanas (hombre/mujer o bien madre/hija) y mostrarlas a través de caras opuestas, la armónica versus la turbulenta, o el deseo ensoñado versus la realidad descarnada, con escenas que se suceden de manera fragmentaria y con procesos asociativos ilógicos, que introducen en el mundo de los sueños. No existe con esta estructura de carácter fragmentario y yuxtapuesto un claro hilo argumental, ni una exposición organizada, más bien se trata de una reflexión acerca de la naturaleza del hombre y del comportamiento humano en sociedad. En el inicio hay dos imágenes que hilvanan las sucesivas escenas: una niña (una marioneta burraku) que llama a su madre; y una mujer que sueña o imagina una relación con un hombre (la actriz sentada, a sus espaldas pasan sobre un tapiz rulante unos hombres, varias veces y con diferente gestualidad corporal). Esta sucesión de imágenes girará en torno a las relaciones de la pareja y a las de la madre con la hija. Las primeras reiteran, con diversos planteamientos expositivos, la pretensión de intimar y la imposibilidad de llevar a término cualquier proposición: hay instantaneidad en el trato e imposibilidad real para desarrollar el afecto desde el corazón (el corazón está vacío, se escucha, mientras dos actores contemplan las radiografías de la mujer) y para que el instante se convierta en convivencia estable. La segunda se refiere a los recuerdos madre / hija, la dependencia de la segunda respecto a la primera y los deseos de proximidad e imitación, y la imposibilidad de sostener en el tiempo una correspondencia estable, porque por el horizonte de la madre pasan otras posibilidades que le llaman más la atención y le apetecen más que el mantener la unidad o la proximidad con la hija. Con estas imágenes el espectador se identificará o no, o bien las reconocerá asimiladas a vivencias propias o a la ensoñación y los deseos insatisfechos. El director pretende que del choque emocional y visual surja la reflexión.

Esta sucesión de escenas se lleva a cabo en un escenario concebido como una cámara negra y con los fundamentos del teatro negro, como ya se ha apuntado: los actores, como las marionetas, se mueven en espacios de luz muy concentrada, en marcos físicos de actuación, en pequeños set de escenificación dispersos por el escenario e invisibles por la oscuridad, apareciendo y desapareciendo con brusquedad, en busca de la sorpresa del espectador y de reforzar el clima onírico, presentado desde el primer momento. En este marco, cinco actores que tienen bien definida la dramaturgia de su personaje, interpretan con una excelente técnica gestual, apoyada en el cuerpo y en las técnicas de la pantomima. La sucesión de escenas fluye con rapidez, sin que exista desmayo alguno. Espectáculo con muy buena técnica, muy cuajado por el tiempo que lleva en repertorio, manifestándose en la sincronización de los actores con todos los elementos, y con un espacio sonoro que pretende impactar emocionalmente en el espectador, deja frío. Acaso, la falta de novedad en los cuadros que sustentan la temática, el conocimiento de las técnicas empleadas, las sorpresas que no extrañan, y, sobre todo, el predominio de la técnica escenotécnica sobre el trabajo del actor, aunque este sea cuidado y preciso, hacen que la propuesta se reconozca, pueda admirarse, pero en un clima de frialdad y no comunicación.

José Gabriel López Antuñano

ARES – UNIR