Crítica de Marat/Sade

Hugo Martín Isabel

Máster de Teatro y Artes Escénicas UCM

Dice Susan Sontag, en su crítica al histórico montaje del Marat/Sade por Peter Brook en 1964, que los dos temas más poderosos del teatro contemporáneo se integran a la perfección en la obra de Peter Weiss: «Teatralidad y locura». Sin duda Marat/Sade es uno de los textos fundamentales del teatro europeo tras la Segunda Guerra Mundial. Heredero del distanciamiento brechtiano y del teatro de la crueldad de Artaud, Peter Weiss experimenta en este texto con el teatro documental (no olvidemos que relata un hecho histórico documentado) al que añade un ingrediente de extrañamiento a través del metateatro, al hacer que los espectadores asistan a la representación de una representación histórica.

Este lenguaje del teatro dentro del teatro puede resultar difícil de poner en escena, ya que hay que dejar muy claro al espectador que no asiste a una función de teatro, sino a la representación de dicha función de teatro. El juego de desdoblamiento aquí se multiplica, se enreda, se superpone. El montaje dirigido por Ricardo Iniesta, al frente de la sevillana compañía Atalaya Teatro, estrenado en julio 2016 dentro del Festival Grec de Barcelona y reprogramado en febrero de 2023 en el teatro Fernán Gómez de Madrid, con motivo de los actos de conmemoración del 40 aniversario de la compañía, acierta en el empleo de un lenguaje escénico cercano al distanciamiento brechtiano, pero falla al olvidarse del juego metateatral que caracteriza a la pieza desde el punto de vista del «teatro de la crueldad».

Y es que no siempre el público se ve integrado en el juego de los locos internos del manicomio de Charenton que, dirigidos por el marqués de Sade, ponen en escena los sucesos acaecidos en 1793 y que culminan con el asesinato del político e intelectual Jean-Paul Marat. Aunque las alusiones del texto al juego metateatral se mantienen y el personaje de Coulmier permanece en escena durante toda la representación, no hay una ruptura clara de la cuarta pared, que únicamente se desdibuja en dos momentos: cuando el pregonero supone al público como juez del conflicto entre Marat y Sade al principio de la obra, y al final, cuando los enfermos metidos a actores (más actores «haciendo de» enfermos) toman el patio de butacas. Esta toma final del espacio del público debería suponer un broche de oro a la función, pero queda algo fría e indefinida, resulta un tanto repentina, ilógica, incluso un tanto cómica (se escucharon risas en el patio de butacas al ver bajar del escenario a los actores).

Atalaya es una compañía sólida, con un elenco de actores y un equipo artístico estable, capaz de mantener un amplio repertorio de teatro de texto al tiempo, como han demostrado con el histórico triplete de programación en la cartelera madrileña en febrero de 2023 (El avaro de Molière y Marat/Sade en el Teatro Fernán Gómez, Electra.25 en Teatros del Canal) y eso se percibe con claridad en su trabajo en Marat/Sade. El elenco de actores da una lección de técnica interpretativa. Convertidos en hombres-orquesta, los actores y actrices de Marat/Sade cantan, bailan, tocan instrumentos, hacen acrobacia, mueven escenografía, manipulan objetos… Y es que este dinamismo y versatilidad de los intérpretes es uno de los elementos a destacar en el montaje, pues ensalza la locura de los personajes del Marat/Sade, capaces de ser una y mil cosas al mismo tiempo, como es esencia de los locos.

La sobriedad y sencillez del espacio escénico, compuesto únicamente por grandes cortinajes blancos que se van desplazando para generar los diferentes lugares en los que se desarrolla la acción, facilita este énfasis en el trabajo actoral. También acierta aquí el estilo expresionista de la caracterización, tanto en el maquillaje como en el peinado, así como el vestuario, con un claro contraste entre el color blanco del uniforme de los personajes locos y el negro reservado a los «directores» de la puesta en escena en Charenton: Courier y el marqués de Sade. Ese contraste de color en el vestuario refleja también el conflicto esencial del texto de Weiss: la confrontación ideológica entre Marat y Sade. Pese a ello, se echa en falta un enfrentamiento real entre los dos personajes, un cara a cara, que se diluye entre el movimiento constante de elementos escénicos y la rápida entrada y salida de los actores.

Cabe también mencionar el interesante trabajo de la música original y el espacio escénico, en especial si tenemos en cuenta el marcado carácter musical que Ricardo Iniesta le da a su montaje. El coro de los Cuatro Cantores siempre interviene con acompañamiento de música, adaptando las letras del texto original cuando se hace necesario. Pero además, el estruendo y los ruidos que se producen alrededor del piano junto al que reposa el marqués de Sade generan en el espectador una inquietud escalofriante y lo introducen en la atmósfera de un manicomio.

En definitiva, el Marat/Sade de Atalaya es una demostración de buen ejercicio teatral, con una cuidada interpretación y una esmerada puesta en escena, cumpliendo con los fundamentos del teatro de texto contemporáneo. Presta, sin embargo, demasiada atención a los planteamientos del distanciamiento brechtiano, aislando al espectador de la trama y evitando involucrarlo en la acción escénica, tal y como pide el juego metateatral que propone Peter Weiss siguiendo las premisas de Antonin Artaud.