Crítica de Lorenzaccio

Miguel Ángel Jiménez Aguilar

SELITEN@T-UNED

Este texto de juventud de Alfred de Musset, un “Hamlet del teatro francés”, en palabras de la directora del Teatro Nacional de Burdeos en Aquitania, Catherine Marnas, se ofreció al público madrileño en versión original, con subtítulos en castellano, en un intento de habituar al espectador a ver teatro representado en otra lengua, la francesa en este caso, con objeto de ampliar sus fronteras culturales y superar las potenciales barreras nacionalistas e idiomáticas que puede provocar la falta de apertura a los teatros de otros lugares del planeta.

La modernidad del texto, que plantea muchos de los problemas que aún perviven en nuestras sociedades, como la decepción entre los jóvenes, la situación de crisis económica, la vulgarización y cinismo de los responsables políticos, el mercantilismo, etc., se percibe en aspectos como la multiplicidad de los personajes y los escenarios, o el tema subyacente de la homosexualidad de su protagonista, además del empleo de la máscara, que desencadena un interesante juego de ambigüedades entre la ficción y la realidad.

El montaje de Marnas, en versión libre, despejado de toda ambientación veneciana, con leves reminiscencias tan solo, como ocurre con el vestuario, incide no solo en el cinismo, la angustia, el nihilismo presentes en las diferentes sociedades -la florentina del siglo XVI, la del reinado de Luis Felipe I, posterior a la revolución de 1830, y, como queda dicho, la del siglo XXI-, sino que también muestra al personaje de Lorenzo como un ser con un lado seductor y hasta adorable. Porque, de hecho, si algo interesa en este Lorenzaccio es la figura de su protagonista, sus pasiones y contradicciones, su desesperación, de ahí que lo psicológico se convierta en un factor fundamental del drama.

Por su parte, la mezcla de clasicismo y de otros muchos elementos procedentes, por ejemplo, del teatro psicológico o del teatro rupturista, pasando por la coreografía y el rock, hacen de esta una propuesta original, que gira en torno a un sofá central y diferentes cortinajes, así como un interesante juego de iluminación.

Por último, el ritmo del espectáculo y la interpretación de los actores son dos de los elementos de mayor intensidad, los cuales lograron mantener la atención del público durante más de dos horas, sin interrupción tanto en lo que respecta al transcurso de la representación, como a la fuerza y dinamismo de la puesta en escena.

Miguel Ángel Jiménez Aguilar, SELITEN@T