Crítica de Cara de fuego

Álvaro Chumillas Expósito

Prácticas, Máster de Teatro y Artes Escénicas UCM

Nos encontramos con Marius Von Mayenburg, el cual narra en su pieza “Cara de fuego” problemáticas de la sociedad actual desde la vida diaria de una familia disfuncional. Aunque muestra conflictos de gran complejidad, el escritor alemán es capaz de mezclar el relato con dosis de humor, donde lo absurdo y lo dramático se relacionan de forma coherente.

 

Durante noventa minutos aproximadamente asistiremos a este trabajo en proceso de la Compañía Nación Resilente donde su director y actor, David Hernández, conduce la pieza hacía una radiografía social que evidencia el creciente individualismo y acoso mediático que alcanza y empaña lo más doméstico. Este ambiente es representado a través de la crisis de identidad de los personajes, la violencia e incomunicación, la enfermedad, y la ruptura de los lazos afectivos que sufre la familia que contemplamos. Este contexto agobiante y conflictivo determinará los destinos de cada uno de los cinco personajes y visualizaremos como es puesto en escena de manera rítmica, amena y certera.

 

La puesta en escena se presenta como un lugar poético a caballo entre el sueño y la vigilia, donde se busca generar repercusión y resonancia en el espectador a través del buen hacer interpretativo del elenco, su expresión corporal, voces y puesta en práctica de los cinco sentidos. Escénicamente se entremezclan performance, teatro y cine con un mobiliario y utilería simples pero afines a cada momento representado, logrando un notable efectismo, simulando por ejemplo un viaje en moto de Olga y su novio Paul, o el salón de una casa típica diferenciado del cuarto o espacio de Kurt con una cortina, metáfora de lo prohibido u oculto que tanto fascina a este; todo ello sin aparatosidad, y con los actores al servicio total del hecho escénico a tratar en cada situación. He de destacar también el necesario juego de iluminación para conseguir cada una de las atmósferas claustrofóbicas, espesas o infernales tan necesarias para la comprensión de eventos y metáforas mentales de Kurt y Olga.

 

El empleo de nociones cinematográficas es algo a tener en cuenta para comprender la gran complejidad y psicología en la que vamos a entrar al ver este “work in progress”, ya que el corte directo, el uso del fundido, la voz en off o un excelente leitmotiv musical van a marcar la pieza. Se incluye también la filmación de una cámara que manipula Kurt en directo y es proyectada en la cortina. El zoom nos permite reparar en gestos que de otra manera se nos escaparían al contemplar solo teatro.

 

En definitiva, un más que decente constructo escénico e interpretativo que deja con ganas de más y al que se le augura gran resultado una vez perfilen y concreten el proceso creativo en el que están envueltos sus componentes, y que ya deja una buena sensación tras su visualización.

 

Álvaro Chumillas, ITEM