NO TIME TO RAGE

Crítica de No time to rage

Lara Barzon

Máster de Teatro y Artes Escénicas UCM

Luces, audio y cuerpos son los co-protagonistas del espectáculo de danza contemporánea No Time to Rage, puesto en escena por la compañía Ogmia bajo la dirección de Eduardo Vallejo Pinto, un joven coreógrafo español. En el escenario siete bailarines de técnica impecable (además del propio coreógrafo están Javier Monzón, Michela Lanteri, Yaiza Caro Martínez, Mai Matsuki, Marta Pomar, Lisvet Barcia) dan cuerpo a los sonidos creados por Iván Solano en una colaboración entre danza y musica muy bien definida.

El espectáculo es abiertamente una crítica a la sociedad contemporánea, la soledad y la violencia. Los cuadros se suceden proponiendo escenarios siempre claramente reconocibles y casi siempre referidos a la fórmula «todos contra uno». La oposición individuo / masa se repite en todas las posibilidades y siempre se nos da la clave de la comprensión gracias a una claridad de movimiento que no deja lugar a equívocos.

El coreógrafo nos cuenta que los ensayos en el auditorio fueron precedidos por un largo periodo de «escritura» de los personajes, una práctica no tan habitual en la danza contemporánea que sin duda demuestra la cuidadosa búsqueda de una danza que no es un fin en sí misma: el movimiento está al servicio de lo conceptual y la impecable técnica de los bailarines está al servicio de sus personajes. De hecho, reconocemos un entrelazamiento de historias: no historias psicológicas, sino historias físicas, corporales, de encuentro y choque. Historias de cuerpos que a veces son víctimas y a veces verdugos, que se modelan en cada cuadro, asumiendo un papel que nunca es neutral. En esa escena que siempre se vacía y se llena de nuevas configuraciones, de nuevas leyes, los cuerpos se entrelazan, formando siempre nuevas jerarquías. No hay fijeza, pero tampoco hay libertad. Hay reglas, leyes y sistemas jerárquicos e imponentes que se roban su lugar escena tras escena.

El ritmo se mantiene a lo largo del espectáculo sin grandes cambios ni dinámicas sorpresivas. Todo encaja: la danza, la luz y el sonido. No hay elementos de contraste, todo parece llevar al espectador hacia la misma dirección, es decir, una sensación de angustia que no cesa. La luz es nítida, el espacio está vacío, la ropa neutra de los bailarines nos hace entender que más que personajes reales son tipos humanos. El género se anula y la música, que en muchos momentos se acerca a la idea de un paisaje sonoro constante, subraya y acompaña los cuerpos de los siete bailarines en los más recónditos meandros de la soledad y la violencia de la sociedad.

La sensación es que no hay respiro, ni posibilidad de descanso. La única salvación es encontrarse de vez en cuando con un abrazo que un momento después ya se ha desvanecido, como para recordarnos que al final del día sólo podemos estar solos.