Crítica de Fuente Ovejuna

José Gabriel López Antuñano, Miguel Ángel Jiménez Aguilar

ITEM-UNIR, UNED

El texto de Lope de Vega es sometido a un proceso más de intervención dramática que de mera adaptación, al hacer girar toda la pieza en torno a la acción del despótico uso de poder del Comendador, abusando y vejando a las chicas del pueblo, mientras el pueblo, permanece impasible hasta que se revela. Al multiplicar el número de Laurencias, aunque la Laurencia de Lope de Vega emerge con su famoso monólogo, y la acción resignada del pueblo, se reducen muchas tramas secundarias que en el original tienen su importancia. De este modo, la propuesta se reduce y la sucesión de variantes de la misma escena da cierta monotonía, aunque la versión da una interesante vuelta de tuerca al diferenciar la violación a la dama principal de las demás, lo que le lleva a un personaje a decir que no todos son iguales. Quizá esta simplificación de la fábula, obligada para “dar papel” a un extenso número de actores de la joven compañía, lleva consigo un exceso de maniqueísmo en la presentación de personajes, trivialización del argumento y un carácter rutinario en la sucesión de las escenas. Tampoco se matiza y falta el crescendo en el malestar del pueblo que termina con la revuelta y muerte del comendador. Destaca en la versión el tratamiento del verso y la fuerza y el pulso poético en la construcción de nuevas partes.

El director pide mucha energía a los actores, excesiva en algunos momentos, porque la fisicidad de las acciones resta importancia a la palabra, aunque con ella logre un ritmo poderoso, un tempo intenso y rápido, y la trasmisión de la historia a través de lo físico. Ayuda a este planteamiento la concepción escénica, unas talanqueras, que encierran un espacio central, que recuerda a una antigua plaza de toros de pueblos. Los movimientos sobre los tablones, la salida del Comendador por “la puerta de un toril” y la entradas de las chicas, escogidas para su entretenimiento, abundan significativamente en el planteamiento de la propuesta dramatúrgica. La iluminación, donde predomina el claro oscuro juega a favor de ese ambiente sombrío y hostil del pueblo que se rebela.

Los jóvenes actores dicen bien el verso, algunos de manera orgánica, mostrando comprensión del mismo, otros (los menos) de manera más automática. Interpretan con solvencia, de una manera coral, pero el director debería haber cuidado más las transiciones, la matización de los personajes (darles mayor individualidad, para que no queden como un personajes excesivamente coral) y contener interpretativamente al comendador, que destaca en exceso y rompe la armonía del conjunto del drama.

José Gabriel López Antuñano

UNIR

 

La versión que ha realizado Alberto Conejero de esta obra maestra de la literatura universal es cuando menos particular, en tanto que centra su atención solo en algunos de los aspectos, no pocos, que posee la tragicomedia. Este hecho, la lectura selectiva de la pieza, resulta además de interesante necesaria, como Conejero ha puesto sabiamente en evidencia, pues los múltiples significados que puede adquirir no son en absoluto gratuitos, pudiendo ser incluso diametralmente opuestos, según la interpretación que se haga en cada caso.

En el que nos ocupa, Fuente Ovejuna sirve para mostrarle al público cómo lo que tradicionalmente se ha considerado un acto de solidaridad puede resultar pura villanía, un trance urdido a la desesperada por unos pocos, forzado e in extremis, que no encuentra reflejo en el grueso de la población, la cual observa cobarde y pasivamente el devenir de los acontecimientos. Resulta fácil ser espectador desde la barrera, incluso jugar a zarandear al toro, con el que por cierto comienza en esta ocasión la obra, pero otra cosa bien distinta es mediar para poner fin a las injusticias. Y es aquí precisamente donde el activismo muestra sus fisuras, donde la insolidaridad se hace palpable, donde la culpa campea y donde las víctimas inocentes se convierten en una especie de mártires para el pueblo, que celebran el final de los acontecimientos tanto como aquellos otros que ven cumplidas sus ambiciones políticas desde la distancia. Nos referimos, lógicamente, a unos Reyes Católicos estrategas que aprovechan lo ocurrido para incorporarlo a su causa militar, cuyo ejército esta vez ha estado formado por simples aldeanos que han luchado espontánea y voluntariamente contra el Comendador que estaba al servicio del Maestre de Calatrava, quien se había distanciado tácticamente de los monarcas. Con este leitmotiv se plantea el espectáculo.

Con un par de escenas manifiestamente retocadas, sobre todo al final de la representación, en la que Isabel y Fernando se muestran complacientes, más que bondadosos, la puesta en escena funciona como un todo dinámico y bien engranado, con una interpretación coral que se refleja en la armónica dicción sucesiva del verso por parte de cada uno de los actores de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico, como en la coreografía y el ritmo acompasado de las palmadas colectivas que se suceden en el escenario, con toda su carga significativa, instintiva y visceral.

La escenografía, un semicírculo de gradas, se presenta al público como si se tratara de un cuerpo que desea darle un abrazo, del que por otra parte no podrá huir, y lo quisiera integrar en esa otra mitad no explícita, fuera del escenario pero dentro de la misma realidad que la escena representa, a pesar de las distancias temporales. En definitiva, un acierto absoluto de planteamiento, realización y comunión con el público, que supo agradecer el acierto de la puesta en escena con una larga ovación.

 Miguel Ángel Jiménez Aguilar

SELITEN@T